Pietà Vierge Vestale

... excessive. Dans ces œuvres, la figure féminine voilée constitue un motif fréquent, symbolisant le deuil, la piété ou le mystère divin. Le traitement délicat des draperies, notamment du voile translucide, met en valeur la virtuosité du sculpteur dans le rendu de textures complexes en marbre, tout en conférant au sujet une qualité sereine, presque éthérée.

Ces représentations évoquent souvent les idéaux classiques hérités de la Grèce et de Rome antiques, célébrant à la fois la maîtrise technique du sculpteur et la noblesse d’une émotion contenue, caractéristique du style néoclassique. Le regard abaissé de la figure contribue à une impression d’introspection et de recueillement silencieux, incarnant la grâce stoïque si prisée à cette époque. Cette conception classique peut également correspondre à celle de la Vestale.
Les Vestales étaient des prêtresses consacrées à Vesta, l’une des trois grandes déesses vierges de Rome et protectrice du foyer. Contrairement à la plupart des cultes religieux romains, celui de Vesta était administré par des femmes. La grande Vestale, Virgo Vestalis Maxima ou Vestalium Maxima, supervisait les activités des Vestales et siégeait au sein du collège des pontifes. Six prêtresses vierges, entièrement dédiées à Vesta, vivaient dans leur résidence propre, l’Atrium Vestae, situé sur le Forum romain. C’est là qu’elles entretenaient le feu sacré de la déesse.

Une fois par an, au mois de mars, elles rallumaient ce feu et veillaient à ce qu’il reste allumé toute l’année suivante. Leur mission était essentielle, car le feu était étroitement lié au destin de la cité : toute négligence pouvait entraîner la ruine de Rome. Les rites liés aux Vestales demeurèrent relativement inchangés depuis la République romaine jusqu’au IVe siècle après J.-C.

Le présent buste constitue un chef-d’œuvre de l’art néoclassique du nord de l’Italie, rappelant l’œuvre sensuelle de Antonio Canova. Le grand maître italien réalisa lui-même plusieurs figures de Vestales, notamment un hermès en marbre aujourd’hui conservé au Getty Museum.

Presque tous les sculpteurs européens de renom au début du XIXe siècle furent, à des degrés divers, influencés par Canova. Toutefois, ce buste présente également d’autres caractéristiques stylistiques, telles que la qualité presque cireuse du marbre et un traitement particulier des plis des draperies, qui évoquent l’art de Camillo Pacetti.

Originaire de Rome, Pacetti reçut sa formation à la célèbre Accademia di San Luca. Son talent fut rapidement reconnu et, dès les années 1780, il obtint des commandes et collabora avec des figures influentes telles que le sculpteur et fondeur Francesco Righetti, l’industriel anglais Josiah Wedgwood, ou encore le préfet pontifical des antiquités Ennio Visconti, chargé de superviser les projets artistiques de la famille Borghese.

Son activité de restaurateur d’antiquités pour les Borghese et sa proximité avec Canova contribuèrent sans doute à son adhésion au courant néoclassique. Pacetti était un modeleur talentueux et maîtrisait des techniques exceptionnelles de taille du marbre. Certaines de ses œuvres présentent la même qualité cireuse que le présent buste. De plus, le traitement des plis dans ses figures féminines — notamment dans Minerva infonde l’anima all’automa di Prometeo (1806) et Santa Marcellina (1813) — révèle une approche similaire des volumes et des formes.
On observe dans le visage de la Vestale une certaine fermeté, rappelant l’art du sculpteur danois Bertel Thorvaldsen, perceptible également dans les figures en terre cuite de Pacetti. Toutefois, le petit menton et la finesse du visage se rapprochent de figures telles que la Vierge d’une Pietà vers 1810, conservée à la Galleria d’arte moderna de Milan.