Une nature morte avec des fleurs et une montre de poche - Simon Pietersz. Verelst

... l'automne 1668, laissant peut-être à Simon la responsabilité de la famille.

Verelst est connu pour ses remarquables natures mortes de fleurs et de fruits. Il acquit rapidement une renommée en Angleterre. Ses œuvres florales impressionnèrent des contemporains comme Samuel Pepys (écrivain et homme politique anglais). Pepeys relate une rencontre le 11 avril 1669 avec « un Hollandais récemment arrivé, un certain Evarelst ». Dans son journal de 1669, il décrit les peintures florales de Verelst comme « la plus belle chose que j'aie jamais vue de ma vie », soulignant que la rosée sur les pétales était si réaliste qu'il essayait de la toucher du doigt. La réputation de Verelst pour ses représentations florales réalistes lui valut l'admiration de l'élite anglaise, notamment des membres de la cour de Charles II. Pendant un temps, il fut l'un des artistes les mieux payés de Londres, réalisant aussi bien des natures mortes que des portraits.

Pourtant, sa carrière fut marquée par des turbulences. Dès le milieu des années 1680, Verelst présenta des signes de maladie mentale. Jacob Campo Weyerman séjourna à Londres entre 1704 et 1720 et connut Simon Verelst. Il était également au courant de la maladie de Simon, mais rédigea également de longues appréciations sur ses œuvres florales. Weyerman a également raconté des anecdotes sur son arrogance, ses excentricités et ses accès de folie. À un moment donné, Verelst se surnommait lui-même le « Dieu des Fleurs » et le « Roi des Portraitistes ».

Son déclin s'accompagna d'une baisse de la qualité de son travail, et une grande partie de sa production ultérieure est perdue ou difficilement attribuable. Malgré cela, les natures mortes qui nous sont parvenues, notamment celles peintes avant son installation à Londres, confirment son extraordinaire maîtrise technique et justifient sa réputation de maître du genre floral.

L'ŒUVRE

Verelst était spécialisé dans les natures mortes de fleurs et de fruits, et ce tableau illustre parfaitement les qualités qui ont fait l'admiration de son œuvre. La composition présente un somptueux bouquet de roses, de tulipes, de pivoines et d'œillets disposé dans un vase orné, agrémenté de détails délicats, comme un papillon perché sur l'une des fleurs. Sur la table en dessous, des pêches et un ruban décoratif ajoutent richesse et variété. L'horloge pourrait être un ajout symbolique. Elle apparaît sur la table et évoque le passage du temps et la fugacité de la beauté.

Comme beaucoup de natures mortes hollandaises et flamandes du XVIIe siècle, cette œuvre est à la fois décorative et symbolique. Les fleurs elles-mêmes évoquent l'abondance et la beauté naturelle, mais aussi la fragilité, car les fleurs fanent inévitablement. Le papillon symbolise peut-être la résurrection et la transformation, tandis que l'horloge évoque la mortalité et la fugacité des plaisirs terrestres. Ensemble, ces éléments inscrivent le tableau dans la tradition des natures mortes de vanité, qui allient richesse des détails et réflexion morale.

Techniquement, la maîtrise de Verelst réside dans sa manipulation de la lumière. Il utilisait souvent l'éclairage d'une petite fenêtre pour projeter une lueur intense et intense sur les fleurs, mettant en valeur leurs textures et leurs couleurs sur un fond sombre. Cette technique met en valeur le jeu subtil de la lumière sur les pétales, les feuilles et les fruits, créant l'illusion de tridimensionnalité qui étonna tant Pepys et d'autres.

Au XVIIe siècle, la peinture florale était un genre extrêmement populaire aux Pays-Bas et au-delà. Tulipes, jacinthes et autres fleurs exotiques avaient été introduites en Europe aux XVIe et XVIIe siècles, provoquant de célèbres épisodes de spéculation et de « tulipomanie ». Pour de nombreux acheteurs, les peintures de fleurs rares étaient plus abordables et plus durables que les plantes elles-mêmes. L'art de Verelst répondait à cette demande tout en élevant le genre grâce à son génie technique.

À Londres, ses œuvres florales contribuèrent à établir un goût prononcé pour les natures mortes hollandaises parmi les collectionneurs anglais. Bien que nombre de ses œuvres tardives aient sombré en raison de la mauvaise qualité des pigments disponibles en Angleterre, celles peintes plus tôt aux Pays-Bas conservent leur fraîcheur d'origine. Ces tableaux confirment l'opinion contemporaine selon laquelle Simon Verelst était, selon ses propres termes et ceux de ses admirateurs, le « Dieu des Fleurs ».