Par Antichità Castelbarco
Huile sur toile 126 x 68 cm. Dans son cadre : 137 x 80 cm.
Ce tableau représente Sainte Agathe (le pendant avec Saint Roch est également disponible), l’une des martyres les plus vénérées de la tradition chrétienne, dans une œuvre attribuable à la main de Francesco da Santacroce (1516–1584), figure de proue d’une dynastie de peintres qui tirait son nom de leur village d’origine, près de Bergame, et qui s’était installée à Venise dès la fin du XVe siècle.
L'atelier, fondé par son père Girolamo, a connu un grand succès dans la région de la lagune, où il a principalement réalisé des œuvres de dévotion, des retables et des polyptyques, se distinguant par son extraordinaire capacité à assimiler et à reproduire le style des très grands maîtres de la Renaissance.
En particulier, leurs peintures allient les couleurs chaudes, la lumière dorée et les traits doux caractéristiques de Giovanni Bellini, dont tant le père que Francesco furent ...
... les élèves et les collaborateurs.
À cela s’ajoutent les géométries compositives rigoureuses mais douces inspirées de Cima da Conegliano, ainsi que les volumes amples et la douceur atmosphérique de Palma le Vieux ou de Lorenzo Lotto.
La particularité de leurs œuvres, que l’on retrouve dans le portrait présenté ici et qui les rendait déjà très sollicités à l’époque, réside donc dans l’inspiration tirée des modèles de la grande peinture vénitienne, mais toujours proposée dans un langage simplifié et accessible : la figure de notre Sainte Agathe apparaît en effet plutôt statique, posée et monumentale, tout en conservant cette grâce dévotionnelle du XVe siècle qui plaisait beaucoup à la clientèle la plus traditionnelle.
Les plis des vêtements, parmi lesquels se détache le large manteau d’un rouge intense qui enveloppe son corps, sont lourds, nets et clairement définis, destinés à conférer une forte présence physique au personnage.
L’œuvre est structurée selon des choix iconographiques et stylistiques précis, qui présentent la figure de la sainte en pied, dans une pose frontale et solennelle, s’inspirant toujours des modèles de la Renaissance vénitienne.
La jeune femme affiche une expression douce et hiératique, le regard légèrement tourné sur le côté, et la tête couronnée d’une auréole dorée délicate et fine.
La sainte est représentée selon son iconographie classique, tenant dans sa main, tel le sceptre d’une reine, l’instrument de son martyre, à savoir une longue pince métallique sombre qui serre l’un de ses seins sectionnés, devenus ses attributs descriptifs canoniques.
Conformément à la tradition picturale, il n’y a aucune trace de douleur, mais elle est immortalisée dans un moment de pure contemplation et de grâce. Un élément caractéristique de leur style, hérité de l’école de Bellini, réside également dans le placement des figures sacrées devant une sorte de balustrade qui divise la scène, au-delà de laquelle s’ouvre un ciel doré aux teintes chaudes et crépusculaires, enrichi de formations nuageuses blanches et grises qui confèrent une atmosphère aérienne au tableau.
Les Santacroce ont organisé leur atelier comme une véritable entreprise, capable de satisfaire une clientèle de classe moyenne à aisée, qui recherchait la qualité vénitienne à des prix compétitifs ; c’est pourquoi leur production – qui comprenait notamment des « Conversations sacrées » avec des figures de saints – fut massive et destinée principalement aux églises de la province de Vénétie ou de la région de Bergame.
On suppose donc que notre œuvre constituait à l’origine le panneau unique d’un retable plus complexe à plusieurs volets, qui, avec le temps, a été divisé et dispersé dans différents musées ou collections.
Francesco da Santacroce, toujours sous l’égide de l’atelier et souvent en collaboration avec son père Girolamo (avec lequel il est souvent confondu), a consacré une grande partie de son travail à ce type d’œuvres, des retables complexes peuplés de nombreux saints protecteurs.
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