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Nature morte du XVIIIe siècle - Attribué à Francesco Lavagna (1684-1724)
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Réf : 97642
14 500 €
Époque :
XVIIIe siècle
Provenance :
Italie
Materiaux :
Huile sur toile
Dimensions :
l. 60 cm X H. 75 cm X P. 7 cm
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Nature morte du XVIIIe siècle - Attribué à Francesco Lavagna (1684-1724)

Francesco Lavagna (Naples 1684-1724)
Nature morte avec composition de fleurs et de pastèque et jardin en arrière-plan
Huile sur toile, cm 54,5 x 39 sans cadre. Avec cadre 74,5 cm x 60 x 7

La peinture, de belle facture et en bon état de conservation, représente une fastueuse composition de fleurs et de fruits insérés dans un élégant jardin. L’œuvre est accompagnée d’un cadre en bois sculpté et doré.
Au premier plan, on peut observer quelques objets en porcelaine blanche avec des décorations bleues et un vase à amphores en bronze doré décoré et projeté. Juste derrière, placé au-dessus d’un élément architectural en pierre, un second vase en terre cuite est richement décoré d’une composition de fleurs. Des guirlandes fleuries et des compositions florales sont placées et placées autour de cette nature morte et certaines plantes spontanées y poussent. En bas à droite est décrite une pastèque coupée en deux, dont la couleur caractéristique ...

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... équilibre la scène, en s’accordant habilement avec les couleurs vives des fleurs, principalement sur les rouges magenta et carmin, les blancs et les bleus. Sur la droite, au deuxième étage, au-dessus d’un muret en pierre, des troncs d’arbres viennent compléter la scène. Sur la gauche, derrière une haie de roses, on aperçoit le jardin restant, avec de hautes tiges et au loin des aperçus architecturaux au-dessus desquels un ciel bleu marqué par quelques nuages vaporeux rend la composition spacieuse et profonde.
De claire appartenance à l’école napolitaine, la toile montre des analogies indiscutables avec le style du peintre Francesco Lavagna (1684-1724). Il est l’un des protagonistes du naturamortisme parthénopéen du début du XVIIIe siècle. Le XVIIIe siècle napolitain, dans le domaine de la nature morte, est très apprécié et recherché aujourd’hui tant par le marché des antiquités que par la critique. Elle fut appréciée et très demandée dans le passé par les grands collectionneurs et commanditaires, riches seigneurs propriétaires des plus beaux palais de Naples et de ses environs. Aujourd’hui, il est encore en cours d’étude, et Francesco Lavagna lui-même possède très peu d’informations. Nombreux sont les artistes qui se sont essayés au naturamortisme et leurs figures émergent lentement de l’oubli, permettant à la critique d’en délimiter les caractéristiques stylistiques, en regroupant des corpus d’œuvres sous des noms notamment grâce à la découverte d’œuvres signées.
La distinction de la main de certains peintres comme Giuseppe et Francesco Lavagna et Gaspare Lopez reste encore très difficile. Les mêmes œuvres apparaissent dans des catalogues et sur le marché des antiquaires parfois attribués à l’un, parfois à l’autre artiste. Toutefois, les études récentes d’instituts tels que la Fondation Zeri commencent à redéfinir leurs attributions.

Francesco Lavagna est actif à Naples dans la première moitié du XVIIIe siècle. Il est souvent confondu avec Gaspare Lopez et Giuseppe Lavagna, probablement lié à lui par un lien de parenté, et interprète lui aussi du même genre pictural.

La toile documente très bien les qualités expressives de Francesco Lavagna, capable de réaliser des œuvres jamais banales et imprégnées d’une capacité descriptive, d’un impact visuel considérable, dans le rendu des effets de lumière, de couleur et de matière, caractérisés par une touche fine et minutieuse.
Sur la base de ces considérations, il est proposé ici de restituer au catalogue de Francesco Lavagna la toile en question, en partant de la proximité stylistique et de la composition avec des peintures signées ou attribuées à lui.
De la comparaison des compositions de fleurs pareillement placées au premier plan présentes dans notre toile et dans les toiles signées, ici proposées en comparaison, nous pouvons trouver une attitude picturale similaire, Tant dans le choix chromatique que dans la façon dont le peintre décrit avec minutie les pétales des fleurs, tout en maintenant un coup de pinceau sûr et rapide.
On propose ci-dessous des comparaisons significatives, en soulignant que souvent l’auteur insère dans la composition une carafe en porcelaine blanche peinte en bleu, dont le flanc semble s’agrandir, peut-être avec le temps, pourrait également nous indiquer un ordre chronologique des œuvres et nous confirmer la main même de l’auteur pour les œuvres qui lui sont attribuées. Ce détail suggère en effet que le peintre possédait cet objet dans son atelier, le reproduisant plusieurs fois dans ses œuvres comme élément décoratif. Un autre artiste pouvait difficilement en posséder un aussi semblable, mais surtout avec la même fracture. L’étude minutieuse des objets présents dans les ateliers et les studios des artistes pourrait aider à la restitution correcte des œuvres.
Il y a aussi d’autres éléments de composition décrits dans cette toile que l’on peut trouver dans plusieurs de ses œuvres. Caractéristiques sont le plat en porcelaine avec des décorations bleues, l’amphore ou vases ornés d’un profil anthropomorphe, la pastèque fendue décrite de la même manière, haies en ars topiaire et arbres à haut tronc qui servent de cinquième à la peinture.
En conclusion, seule la redécouverte de peintures signées et une recherche archivistique souhaitable pourront clarifier les problématiques attributives de ces auteurs, en permettant la restitution correcte des œuvres attribuées à ce jour, parfois avec une certaine prudence.
L’œuvre est accompagnée d’un important cadre en bois sculpté et doré de style Louis XV.
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